[REC]3 ¿Zombie, infectado o poseído?

Después de un remake a la americana y una segunda parte decepcionante, por fin llegó a nuestras pantallas la esperada tercera entrega de REC. Sin duda alguna, el principal atractivo de la película son los personajes y si me apuráis un poco, la protagonista. Una fantástica novia de Rosa Clará, una Dolera que se armará con una motosierra para defender lo que es, o debería ser, Su día.

[Rec]3 toma como eje narrativo y escenario una boda, elegantes trajes, emocionantes discursos, besos, bailes desenfrenados, tarta, alcohol y… ¿zombies?

Paco Plaza, en solitario esta vez, dirige este nuevo fascículo de la saga pero con un enfoque distinto. En esta tercera entrega de REC nos remontamos un poco antes de la acción de la primera película. Abandonando la típica “cámara en mano” a principios de la película, consigue un sumergimiento total del espectador dentro de la historia. Plaza brinda a [Rec]3 de un estilo peculiar, tintando la historia de humor y homenajeando las entregas anteriores con múltiples guiños. Disfrutamos de las referencias a “No dejes de gravar”, a la cámara para oscuridad y tantos otros.

Plaza deja a un lado el dogma para pasar a un rodaje convencional, trepidante, sin descanso, en el que el espectador gozará hasta el último segundo. Banda sonora tremenda y una Leticia Dolera en todo su esplendor, la combinación perfecta entre dulce enamorada y guerrera combatiente.

El matiz religioso está bien logrado, pero aunque vemos más que en las otras películas no significa que eso ayude a entender demasiado bien el qué y el por qué ¿quizás sea eso parte de la gracia? puede que en parte si. [Rec]3 goza de un buen maquillaje aunque algunos de los “zombies” no sean creíbles en sus movimientos; que Plaza diga que el movimiento es algo intrínseco del individuo y que por lo tanto los zombificados se moverán y desenvolverán en el escenario de forma particular y, por lo tanto diferente, no nos convence. Acusamos demasiados parones y excesiva adaptación del movimiento de los susodichos a las desventuras de los protagonistas.

Alejándose del terror de la primera parte, [Rec]3 funciona muy bien en su vertiente cómica, sin tapujos y mejorando la segunda entrega de la saga que hacía aguas por todas partes. Un largometraje lleno de vísceras y momentos hilarantes que promueven la complicidad con el público entre los que no podía faltar los minutos gloriosos de Sant Jordi y su escudero.

Junto con la primera entrega, [Rec]3 cumple las expectativas después de la defraudante segunda entrega y del cómic que recientemente hemos podido adquirir en las librerías (del que tenemos que mencionar que lo único que vale la pena son las ilustraciones del maestro Colucci y de alguno de los otros ilustradores).

¿Será verdad el rumor de que Balagueró cogerá el testigo y dirigirá la cuarta entrega?

Podéis ver la ficha de la película aquí y acceder a la página oficial aquí.

Por supuesto, en una boda no puede faltar el cava, así que ya sabéis. Eso si, esta vez lo dejo a vuestra elección.

El año de Blancanieves. Mirror, mirror: The Untold Adventures of Snow White

Definitivamente 2012 es el año de Blancanieves, se celebra el 75 aniversario de la adaptación de Disney del clásico de los hermanos Grimm con nada más y nada menos que el estreno de tres nuevas versiones cinematográficas del mismo.

La primera de ellas, Blancanieves (2012) dirigida por Pablo Berger (Torremolinos 73, 2003), con Maribel Verdú y Ángela Molina. Esta versión libre del cuento, muda y en blanco y negro, está ambientada en el sur de España de los años 20. Como homenaje a los orígenes del cine, estará de gira por los teatros con música en directo de Alfonso Vilallonga. Una auténtica experiencia para los sentidos!

Julia Roberts, Maribel Verdú y Charlize Theron se ponen en la piel de la malvada madrastra de Blancanieves.

La segunda de las adaptaciones, se encuentra actualmente en postproducción y llegará a la gran pantalla en junio de este año. Snow White & the Huntsman de Rupert Sanders, cuenta con un reparto encabezado por Kristen Stewart (protagonista de la saga Crepúsculo) como Blancanieves, Chris Hemsworth, Charlize Theron, como la madrastra, y Toby Jones. Esta versión del cuento de los Grimm, focaliza la atención en la vertiente guerrera de Blancanieves, la que no vemos en el clásico, utilizando una atmósfera épica más propia del Señor de los Anillos.

La tercera adaptación, y la que nos ocupa, es la nueva obra del director hindú Tarsem Singh, conocido anteriormente por Immortals (2011), The Fall (2006) y The Cell (2000). Este alarde de colorido está protagonizado por Lily Collins, Julia Roberts, Armie Hammer, Nathan Lane y cuenta con Sean Bean (Eddard Stark, Game of Thrones) como estrella invitada.

Mirror, mirror es un producto para todos los públicos que busca conquistarnos con una Julia Roberts ejecutando un rol al que no estamos acostumbrados. Entre la hija de Phil Collins y la novia de América no percibimos demasiada química, ni tan solo entre Collins y Hammer, que sería el príncipe encantador.

 En ciertos momentos Collins no parece más que la suma de Audrey Hepburn en Vacaciones en roma con los movimientos de Amy Adams en la película Encantada (2007).

Por una parte, me parece más que aceptable el replanteamiento al que nos somete Singh  ¿Qué cuento quieres venderles a tus hijos? actualizar el argumento, desposeer por fin a Blancanieves de su sumisión e inocencia. Pero, casi siempre hay un pero, el resultado es demasiado simplón y desposeído de toda la “mala uva” del clásico original. Echamos de menos ese final cruento de los hermanos Grimm con la malvada madrastra bailando hasta la muerte.

Mirror, mirror cuenta con un magnífico preludio animado narrado en off por la malvada madrastra. Es ella y no un tercero imparcial el que pone al espectador en situación, introduciéndolo en la historia. Uno de los pocos aciertos de la película, junto con la presencia de Nathan Lane. Otro de los aciertos seria la creación de la Bestia que ronda los bosques, una quimera perfecta y el mágico, maravilloso y tenebroso paso a través del espejo.

Lo mejor, la escena de batalla con la magia negra de los títeres. No lo peor pero si lo más desconcertante, el final innecesariamente Bollywoodiense que nos regala Singh.

Singh nos envuelve en lazos, trenzas, tules, botones, pelucas y nos sumerge en unos escenarios magníficos aunque con nieve de poco presupuesto…   Como cóctel Burtoniano con gotas de Lewis Carroll, Mirror, mirror es un colorido desfile barroco gracias a los maravillosos diseños de la recién desaparecida Eiko Ishioka. Eso si, el traje de Blancanieves la noche del baile nos recuerda al que lució Bjork en la gala de los Oscars 2001, diseñado por Marjan Pejoski  ¿Singh copia o pretende un guiño a la princesa cisne?

Mirror, mirror no dejará indiferente, aunque no consiga llegar más allá de una comedia de tarde para nuestras niñas.

Podéis ver la ficha técnica completa aquí, así como la Web oficial de la película.

Luces rojas, ¿Qué crees saber?

Conocíamos a Rodrigo Cortés por sus anteriores trabajos, como El concursante (2007), Buried (2010) y Emergo de Carles Torrens, en la que trabajó como guionista y exhibida en Sitges 2011. El éxito de Luces Rojas  ha conducido a la adquisición de los derechos de Emergo para que sea distribuida en Norteamérica.

En Luces Rojas, Cortés hace las veces de director, guionista, montador y productor rodeándose de un reparto de lujo Robert de Niro, Cillian Murphy, Sigourney Weaver, Toby Jones y Elizabeth Olsen. Olsen es la protagonista de Silent house, que se estrena hoy en Estados Unidos, desafortunado remake hollywoodiense de la urugaiana La casa muda (2010) de Gustavo Hernández que fue proyectada en Sitges 2010.

En esta cinta se entremezclan lo desconocido, el fraude, el ilusionismo y la incansable búsqueda de la verdad. El estudio de los fenómenos paranormales parece el eje vertebrador del film, aunque personalmente creo que Luces Rojas va mucho más allá. Cortés lo desgrana con una lenta primera mitad anclada en lo racional y una segunda mitad casi exclusivamente sensorial y emocional.

Weaver se muestra perfecta, como siempre, de Niro llena la pantalla con su sola presencia y Murphy destaca por su interpretación después de decepcionarnos en la reciente In time. El personaje de Murphy (Tom Buckley) es el más complejo de la trama, aunque en las primeras escenas no lo parezca. Avanzan las agujas del reloj y Buckley evoluciona de un modo asombroso, alcanzando el último tercio de la película llevando sobre sus hombros prácticamente todo el peso argumental.

Cortés juega con la ciencia y la paraciencia, aunque de manera algo superficial. El resultado es una cinta interesante pero desigual, con altibajos y que deja al espectador con una ligera sensación de vacío. El clima es el correcto, el movimiento de la cámara también, los actores no defraudan, ¿Cuál es el problema? quizás es un film que peca de pretencioso.

Con Emergo, Torrens y Cortés fueron mucho más efectistas. Recomiendo encarecidamente, a aquellos que Luces rojas se les haya quedado corta, que la vea. No descubre nada nuevo que el cine no haya mostrado antes pero su enfoque es tan cotidiano que se introduce directamente al estómago del espectador.

Aunque Luces Rojas cuenta con un final algo precipitado y al que quizás le sobra el último minuto, nos regala una de aquellas frases que se repiten en nuestro interior, impidiendo que las olvidemos, un eco que perdura fuera de la sala… No puedes negarte a ti mismo. No puedes negarte siempre.

Podéis consultar la ficha técnica de la película aquí.

Conocéis mi opinión sobradamente sobre los trailers y la manía de los montadores en explicar y mostrar más de lo que deberían. La mayoría de los trailers son demasiado reveladores y éste es uno de ellos.

Monsters, la nueva ciencia ficción

El pasado martes, aprovechando una faringitis que me obligó a quedarme en casa, rescaté del olvido esta deliciosa e inquietante obra escrita y dirigida por Gareth Edwards. Edwards, autor de In the Shadow of the Moon (2007, en corte de documental), presentó en octubre de 2010 en Sitges Monsters protagonizada por Scoot McNairy, Whitney Able y Mario Zuniga Benavides. McNairy y Able, con todo el peso de la película en sus espaldas, están perfectos en sus papeles, no me veo capaz de sugerir ningún actor o actriz mejor para llevar a cabo esas interpretaciones.

Película de bajo presupuesto en la que el propio Edwards se encargó del guión, la dirección y los efectos especiales. Quizás el título de la misma puede llevar al espectador incauto a falsas y lamentables expectativas de sangre y vísceras por doquier. Monsters recuerda en ciertos aspectos a District 9 (2009) y hay quien la relaciona estrechamente con Stalker (1979). Una zona infectada, donde los alienígenas son recluidos, que los protagonistas se verán obligados a cruzar. Una road movie con todas las de la ley en la que los “monstruos” son descaradamente la excusa para el desarrollo de la trama. Aún siendo la excusa, Edwards los dota de un comportamiento coherente, parecido al de algunas especies animales de nuestro planeta, y de un diseño y animación más allá del aprobado.

Nos recuerda, como ya comentamos en su momento, a Another earth (2011) por su estilo e intensidad emocional. Como en Monsters, delicado paseo sin intromisiones, como simples observadores por una realidad que aún sintiéndose cercana nos es tan ajena. Monsters presenta un buen ritmo, equilibrando y compensando la acción con el peso dramático de la trama.

¿De qué sirven grandes efectos especiales si el argumento no se sustenta de ningún modo? ¿Cuántas películas hemos visto en los últimos tiempos que no son más que cápsulas gore de alto poder soporífero? Queremos disfrutar de la ciencia ficción pero también tenemos ganas pensar! y con pensar no me refiero a cintas con pretensiones de gurú del siglo XXI…

Me alegra ver el giro que toma la ciencia ficción en los últimos años. Me satisface que por fin haya algunos directores, como Edwards, que se atrevan a hurgar en la naturaleza humana y ser críticos con la sociedad con la que nos ha tocado vivir. De repente me han venido a la memoria escenas de Solaris (1972), su complejidad así como su carga emocional. Habrá que revisionarla.

Inquietante, terrorífica, atrevida, dulce y dura. Con un final brillante aunque un tanto abrupto, Monsters se sitúa sin duda en mi lista de recomendaciones para todo aquel que tenga ganas de disfrutar con una buena historia de ciencia ficción donde la ciencia ficción no es la protagonista.

Podéis ver la ficha de la película aquí.

Como es habitual, el trailer desvela demasiado y a la vez no refleja en absoluto la esencia del film. Lo enlazo por si, aún así, os apetece verlo.

Drive

Con total protagonismo de Ryan Gosling (Half Nelson, 2006; El diario de Noa, 2004 y la reciente Crazy, Stupid, Love, 2011) y un secundario de lujo (Albert Brooks como Bernie), Drive es una cinta que rezuma ochenterismo desde la tipografía de los créditos hasta la banda sonora. Un auténtica joyita que juega al filo de la serie B rindiendo homenaje al cine negro tradicional.

La banda sonora serpentea en una atractiva contraposición a la acción de la pantalla. Esta aparente desconexión armoniza con la contradictoria personalidad del protagonista, el conductor. Aparentemente sin sentimientos, capaz de cualquier cosa para conseguir su objetivo. Un personaje frío, calculador, que entrecorta constantemente el fluir de la ternura como si lo realizara con un torniquete.

Buena iluminación, manejo de la perspectiva y velocidad de la cámara que dotan de un realismo petrificante a las escenas de acción. Nicolas Winding nos regala unas excelentes escenas de violencia casi explícita en las que, como siempre, hiela más la sangre aquello que intuimos que lo que nos es mostrado.

En este caso, no puedo reprimir el impulso de compartir con vosotros lo que, para mi, son los mejores planos de toda la película. El primero de ellos sitúa la acción en el piso del conductor, plano fijo en el que lo vemos sentado frente a una mesa con la única luz de un flexo circular. Curiosa atmósfera fría y cálida al mismo tiempo. Unos pocos segundos plácidos en que el conductor manipula un engranaje, lo deja sobre la mesa, aparta la silla, se levanta y se pone la chaqueta…

El segundo plano fabuloso es uno de frontal del hijo de Irene (Carey Mulligan), sentado en un sofá, a punto de darle una bala al conductor. Primer plano del niño, ligeramente encuadrado a la izquierda, con un fondo azul de desenfocado  papel pintado.

Explicar el tercero de ellos sería demasiado spolier, así que sólo diré que tiene lugar en un ascensor y que más que un plano es toda la escena que se desarrolla en su interior que goza de una potencia y belleza extraordinarias.

Disfrutadla!
La maridamos con un blanco con carácter o como recomienda una amiga y seguidora del blog, con una Judas.

Podéis encontrar la ficha de la película en IMDb o en Film Affinity.

Dejo el trailer pero recomiendo que, si tenéis intención de ver la película, NO lo veáis antes. Dejad que os sorprenda.

Attack the Block, si llega la invasión alien que te pille en los suburbios.

Si señores, si.  De los creadores de Shaun of the Dead (Zombies Party, 2004) llega la cinta perfecta para dejar la mente en blanco, relajarse en el sofá, comerse unas palomitas y reírse de la condición humana. Quizás prometiendo más de lo que ofrece, pero nunca dejando indiferente, realiza su entrada en la cartelera Attack the Block. “Inner city vs Outer Space”, una banda del South London decide defender su barrio del ataque de unos alienígenas invasores. 

Loca, absurda y despreocupada, Attack the Block causó furor tanto en el Reino Unido, como en los Toronto Film Critics Association Awards, y en nuestro país en el pasado Festival de Sitges 2011. Compitiendo en la sección “Oficial Fantàstic competició”, se llevó sin demasiado esfuerzo los premios a mejor banda sonora original, premio especial del jurado, premio de la crítica Jose Luis Guarner y mejor película en el gran premio del público “El Períodico de Catalunya”. También ha Contado con 11 nominaciones en certámenes internacionales.

Para Joe Cornish, actor, guionista y director de radio y televisión, Attack the Block supone su debut como director en la gran pantalla. Unas interpretaciones frescas para una historia gamberra que cuenta con algunos momentos verdaderamente hilarantes. Del reparto, en una película bastante coral, tenemos que destacar las interpretaciones de Jodie Whittaker en el papel de Sam, John Boyega como Moses y  Luke Treadaway como Brewis. El conocidísimo actor Nick Frost ocupa un papel secundario pero consigue arrancar como mínimo una sonrisa en todas las escenas en las que aparece.

Una cinta que divierte pero no alcanza las cotas de Shaun of the dead. Eso si, Cornish hace un uso de la luz notable y consigue unas escenas de acción enfocadas desde una buenísima perspectiva. Para esta película,  unos aliens sin ojos que prácticamente no son vistos hasta la última mitad de la cinta. Estoy de acuerdo en que, a veces, no hace falta enseñarlo todo.

Uno de los mejores planos: el pasillo de un bloque de las afueras con el ascensor al fondo.

Reminiscencias ochenteras: Critters y Goonies.

Podéis consultar la ficha de la película aquí.

Rare exports: A Christmas tale. From the land of the original Father Christmas

Felices Fiestas y Feliz 2012!!

La pasada, no tan fría como las Finlandesas, noche de Navidad con ansia nos dirigimos al cine. Después de perderme su pase en Sitges el año pasado no podía dejar pasar la oportunidad de ver esta maravilla en la gran pantalla y menos en un día como ese.

Después de regalarnos dos cortos maravillosos de Rare Exports Incorporated en 2003 y 2005 respectivamente, Jalmari Helander vuelve esta vez con un largometraje de los calificables como imperdibles. Con éste,  Helander se hizo con el premio a la mejor película, mejor director y mejor fotografía en el Festival de Sitges 2010.

Según algunas leyendas finlandesas, Santa Claus no es precisamente la figura de generosas formas, amable y complaciente que tenemos en mente. Al contrario, Santa Claus es considerado un ser demoníaco que aplica las más terribles torturas a aquellos niños que no han sido lo suficientemente buenos. Rare Exports se ancla en esa idea y sin permitir que le sea un lastre, deja volar la imaginación. Helander juega con el público hasta el final.

Unos exteriores impresionantes, una fotografía maravillosa y unos personajes perfectos que, en poco menos de hora y media, cautivan al espectador. Mencionar el excelente trabajo de los actores Jorma Tommila, y  Onni Tommila, protagonistas de una de las escenas más tiernas y tristes que he visto jamás. Los que hayáis tenido el placer de verla reconoceréis la escena del desayuno de galletas de jengibre que culmina con una lágrimas reprimidas…

Divertida, inteligente, cruda y sin lugar a dudas entrañable, Rare Exports merece disputarse junto con Another Earth el primer puesto en la lista de las mejores películas que he visto este 2011.

Una sola crítica, siempre me quejo de los metrajes excesivos, en este caso me quejaré de lo contrario. Cuando uno  disfruta desea que no sea tan breve.

Los cortos, juegan con la brevedad como ventaja, ritmo, intensidad y crueldad para unos minutos de total ingenio. No os los perdáis!!

Teniendo como referencia una traducción del título al español para mi gusto poco acertada, recomiendo, esta vez más que nunca, que tanto la película como los cortos sean vistos en versión original.

Como maridaje, esta vez propongo un rioja Conde de Valdemar crianza 2007.

Podéis ver la ficha de la película aquí.

En el sitio oficial encontraréis imágenes y merchandising de la película.

Os dejo unos cortos de regalo…

Rare Exports Inc. (2003)

Rare Exports inc. The Official Safety Instructions (2005)